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李慧舒，永利集团-澳门永利集团 美术与设计系教师。本科毕业于鲁迅美术学院绘画（版画）专业，硕士毕业于鲁迅美术学院当代艺术系，韩国京畿大学美术学专业博士。研究方向：科技雕塑、公共艺术。

从版画到数字艺术：一场没有预设的旅程

很多人问我：本科学版画，硕士做科技雕塑，博士研究数字艺术与艺术治疗的“游戏化”——这个跨度是不是太大了？

坦白说，这条路并非刻意规划，而是一步步被好奇心牵引着走出来的。

在鲁迅美术学院版画系学习时，我迷恋版画的“间接性”——每一刀刻下去，都要经过制版、印刷才能看到最终效果，这种延迟的满足感和偶然性，像极了艺术创作本身的韵味。但一个疑问开始萌芽：观众站在作品前，究竟在观看什么？是我刻下的线条，还是他们自己投射的情绪？

这个疑问带我走进硕士阶段。在鲁美当代艺术系，我开始探索艺术与科技的跨界表达。期间有一个交互沉浸式装置作品《一亩三分地》，观众的动作会影响画面变化。有观众告诉我：“走进作品的那一刻，我觉得自己不是在‘看’展，而是在‘参与’艺术。”这句话触动了我——如果艺术能让人们从被动观看转向主动参与，它是否能承载更多？我想进一步探索数字艺术的交互性、沉浸感与艺术治疗的心理疏导功能的结合。遂于2021年，我赴韩国京畿大学攻读博士学位，师从李宰雨教授，在异国他乡，重新理解艺术的“治愈力”。当数字艺术的交互性与艺术治疗的心理疏导功能结合，能创造更易于被年轻人接受的心理支持方式，西方精神分析强调“干预”，而东方思想讲求“顺势”，治愈或许不必是强力介入，而是陪伴式的、让参与者自主探索的过程。

创作与生活：做一个“在场”的人

创作是我理解世界的方式，也是我保持“在场感”的途径。

回想起来，我的学术之路像是一场不断“跨界”的旅程。从鲁迅美术学院的版画专业本科，到当代艺术系的科技雕塑公共艺术硕士，再到韩国京畿大学全球艺术专业的博士研究，我的创作和思考始终在艺术与科技、个体与社会、情感与媒介之间游走。

我的作品大多围绕“边界”“隔离”“网络”这几个词展开。像《或许：这就是生活吧》《29°N/117°E》《过渡仪式》《阈值》《模糊地图》这些装置，灵感其实都来自日常生活的细碎观察：网络社交里那张摘不下来的“面具”，城市公共空间里若即若离的距离感，还有被各种屏幕和算法包围时，那种既连接又独处的滋味。不太会刻意追求宏大的主题，我反而更容易被那些细微的褶皱吸引——褶皱深处，往往藏着真实。

生活里，我习惯每天留一点时间给身体。拉伸、跑步、随便出点汗，让脑子放空，只感受呼吸和心跳。创作需要投入，也需要抽离；需要沉浸，也需要呼吸。动起来的那一刻和站在作品前的那一刻其实挺像的——都是在找一种平衡。

教学实践：在素描与短视频之间，寻找表达的支点

入职后，我讲授的课程分别是《素描基础》和《短视频制作》。看起来，这两门课分别属于传统和当代，但在我心中，它们本质上是相通的——都是在教学生如何“观看”和“表达”，是用形式承载情感。

素描是用铅笔捕捉光影，短视频是用镜头捕捉瞬间；前者训练的是手头的功夫，后者训练的是眼睛的敏感度。我希望学生们能在两者之间找到平衡：既能在纸面上沉静地打磨一幅画，也能在数字世界里自如地讲述一个故事。

在《素描基础》课上，我带着学生画石膏像、画人物，我不要求学生画得“像”，而是鼓励他们画得“真”——真实的观察、真实的感受、真实的笔触，比完美的技法更珍贵。

关于《短视频制作》的课程，我喜欢同学生讨论镜头语言，也讨论“为什么要拍这个”，常和他们说：技术是工具，不是目的。用手机拍还是用专业设备拍，用剪辑软件A还是软件B，这些虽然重要，但最重要的还是你想表达什么。

从创作者到教育者，我的身份的转变不只是“教会别人画画”，也是“陪伴他们找到自己的语言，让他们成为一个更敏感、更宽容、更懂得如何与自己相处的人。”这句话，也是我对自己说的。

未来期待：与艺术更多对话的可能

入职澳门永利集团 一年了，我越来越喜欢这里的氛围。学生们质朴、真诚，对艺术拥有纯粹的热情；同事们包容、开放，在教学和科研上给了我很多支持。

作为美术系2025级本科班的班主任和新进教师，我正与学生一起成长，在艺术与科技之间、创作与研究之间、学院与社会之间搭建更多对话的可能。我希望能带学生走进田野、走进社区、走进真实的公共空间，让艺术走出教室，与更广阔的人群相遇。陪伴学生度过他们人生中最具可塑性的四年，见证他们的迷茫与成长、困惑与突破。

最后，借这个属于女性的节日，祝所有在学术道路上坚持的女性朋友，愿我们既能仰望星空，也能脚踏实地；愿我们在探索世界的同时，也始终记得善待自己。

供稿：李慧舒

初审：石利娟

复审：杜瑶

终审：嵇美云